一句stayhome，令我們在這個與世隔絕的春天，走進了無數串流時代的藝術展覽及演出。

巴塞爾藝術展（Art Basel）香港展會早前宣佈取消，同時將作品以網上展覽形式，讓所有stayhome的觀眾能在網上欣賞超過2,000件原定於香港展出的藝術品。劇場方面也不遑多讓，柏林列寧廣場劇院直播Ostermeier導演的《人民公敵》，美國音樂劇影音串流平台BroadwayHD也推出種種限時優惠，令觀眾安在家裡也能欣賞超過300部音樂劇。其實在這個串流時代，我們早已習慣了一個按鍵，就能得到超高規格的作品（好比音樂及電影串流），所以譬如一些在劇場界別中傳奇的優秀作品，當轉換成串流格式後，是否真的具有跟Netflix及其他網上節目一較高下的實力，我們還須拭目以待。但可以肯定的是，讓某些藝術形式以串流方法呈現是把雙刃刀，譬如表演藝術。藝術家和藝團一方面想通過串流令更多觀眾欣賞到他的作品，另一方面卻擔心這個視頻能否真正還原出現場當下的魅力。

舞台上發生的唯一性，就是當下的不可重複，以及每個觀眾所能給予的即時回饋，我們早就默認難以透過一段視頻讓觀眾親臨現場，不管是早期以純紀錄形式架設三角架的拍攝，還是採用成本較高參考電視節目形式的多機位剪接。既然上述兩種方法都離我們理想中的演出錄像有點遠，那麼各位藝團的負責人、監製及導演們有沒有想過，要讓你的作品成為串流時代下的寵兒，需要滿足大眾哪些期待心理？背後會否存在着另一種的拍攝美學？

在電影範疇，有一種類型稱之為「舞蹈電影」，它是一種集編舞、舞者、錄像導演、剪接共同合作而生的作品。（例如First Run Features就曾推出過名為《Dance for Camera》的舞蹈電影DVD、德國Arthaus Musik也為舞蹈劇場團體DV8推出過作品集等）它不一定會作為公開演出發生在劇場／舞台上，因為場景設計可能會將拍攝地設置在一所游泳池、一個公共交通工具、或者在大自然中進行。這些特殊性加上剪輯好的鏡頭、配樂、甚至特效，疊加形成了這個作品的唯一性，以及它的不能重複性。

換言之，一個好的演出錄像拍攝，是需要創造出除了仿如現場表演的觀賞性外，另一種不可取代的藝術性。作為串流劇場的隱藏作者—剪輯及錄像導演這時候擔當着不可或缺的角色。運用電影語言中一切的方式，進行有原則有克制的二度創作，捕捉現場觀眾難以察覺的細節，讓鏡頭代表你去替觀眾選擇獨一無二的視點觀看這個作品。

這麼說來，剪輯及錄像導演仿佛在此時同時具備多種身分，既是創作人—因為要重新透過你的技術進行二度創作；也是一名劇評人—在透過你選擇的鏡頭、剪接點、色調，去表達你對這個作品的看法；同時也是一名觀眾—和作品中演員的表演產生即時回饋，思考導演或創作人的觀點，感受他的美學觀和世界觀等。

疫情之下，我總是會被這樣一把聲音喚醒：「當戰爭或疫情來到我們身邊，我們的藝術文化是否根本不堪一擊？」相信全球的劇場同行都會或多或少有所覺悟，一方面希望疫情儘快結束，另一方面明白如果我們不能除下口罩在劇場相遇，我們必須想方法讓劇場以另一種形式存活下去。